Intervju Sandeep Narayan: 'Želim si, da bi bil moj koncert čim bolj pristen in resničen'

Kardanski klasični vokalist Sandeep Narayan verjame v sodobne vrednote, čeprav izvaja to, kar velja za konzervativno umetnost. Vas zanima, kdo je bil zvezdniški glasbenik, ki ga je izučil in oblikoval njegove poglede na umetnost in življenje? Preberite ta zanimiv pogovor.

Klasični vokalist Sandeep Narayan nastopa na koncertu. (Hitra fotografija: Ramanathan Iyer)

Odvzeti otroka iz šole v ZDA v njegovih formativnih letih in ga poslati v Chennai, da bi se učil karnatske glasbe, je bila v devetdesetih letih precej neobičajna ideja. Tega doslej še nihče ni počel, toda Narayans v Los Angelesu so bili tako ljubitelji karnatske glasbe, da so mislili, da njihov nadarjeni sin ne sme zamuditi prednosti, ki so jo imeli otroci njegovih let v Chennaiju.

Njihov sin je bil star komaj 11 let in je bil seveda nagnjen k glasbi, saj je od svojega zgodnjega otroštva vse, kar je doma slišal, bila karnatska glasba. Karnatsko glasbo se je učil od svojega četrtega leta od svoje mame Shubhe Narayan, ki je tudi sama imela znani glasbeni rodovnik. Ker pa je fant postal preveč igriv, so njegovi starši menili, da bi se moral formalno učiti od drugega guruja. Če bi lahko pomagal, je vprašal maestra flavte iz Čenaja N Ramanija, ki je učil Sandeepovega starejšega brata. Ramani je po dolgem razmišljanju predlagal, naj fant pride v Indijo in se uči od Calcutte KS Krishnamurthi, znanega muzikologa in zelo iskanega učitelja višjih izvajalcev.

Za Krishnamurtija je bila zahteva nekoliko nenavadna, ker ni učil nobenih NRI, kaj šele otroka, razen verjetno tistih iz družin, ki so se za stalno preselile v Indijo. Poskusil je zaradi Ramanija, bil navdušen nad fantovim zgodnjim usposabljanjem in bistroumnostjo ter mu omogočil, da se je učil pod njim.

Fant je z mamo v Indiji ostal približno 18 mesecev in opravil precej strogo usposabljanje pri Krishnamurtiju, ki je bilo polno pouka, koncertov in neusmiljene vadbe. Ko se je vrnil v ZDA, je imel zdravo podlago, veliko močnejšo afiniteto do klasične glasbe in globoko željo, da bi postala karnatska glasba velika. V času poletnih in zimskih počitnic je še naprej treniral pod Krishnamurthijem s svojimi posnetki in neposrednimi pouki v Chennaiju.

Preberite | Sestre Akkarai: 'Karnatska glasba je spontana umetnost in ne nekaj, kar je mogoče vaditi do popolnosti'

Na žalost za fanta je Krishnamurti umrl v treh letih in ni ostal brez učitelja podobnega kalibra. Toda tokrat družini ni bilo treba iskati drugega guruja, saj se je fant, ki je bil že v najstniških letih, že ozrl na novega guruja, ki je bil že sam po sebi zvezda in starejši učenec Krishnamurtija . Fant, ki ima še vedno sedež v ZDA in se dvakrat na leto odpravlja v Indijo, se je naslednjih 15 let učil od svojega novega guruja, zdaj pa je eden redkih sodobnih glasbenikov karnatike, ki je vsilil slog, ki je edinstven za njegovega lastnega guruja. Usposabljanje z novim gurujem je spremenilo življenje in fant se je po končanem dodiplomskem študiju leta 2006 za stalno preselil v Chennai. Zdaj je ena najboljših zvezd mlajše generacije karnatskih glasbenikov in prvi indijsko-ameriški otrok, ki je ustvaril kariero v Indiji.

To je zgodba o Sandeepu Narayanu, kul človeku karnatske glasbe, ki je znan po slogu, ki je bogat s klasicizmom, izrazi in improvizacijo. Je pevec v udarnem času v čenajskem Sabhasu, vključno z glasbeno akademijo Madras, in je zelo iskan klasični izvajalec tudi v drugih indijskih mestih. Je tudi eden mlajših generacij klasičnih glasbenikov, ki so sposobni umetnost prenesti v novo generacijo in navzkrižno občinstvo.

Sandeep, obdarjen s privlačnim glasom, ki je prilagodljiv in se lahko brez napora premika po oktavah ter je znan po svojem globoko izraznem slogu, je čudovit izvajalec, ki privablja impresivne poznavalce klasične glasbe iz vseh starostnih skupin tako v Chennaiju kot drugod. Je precej spreten v vseh pogledih klasičnega petja, njegov slog pa je bogat z dobro oblikovanimi gamakami, brigami in privlačnimi glasbami, zaradi katerih je karnatska glasba privlačna tudi za laike. Inherentna laja njegovega petja, tako pri počasnih kot pri visokih hitrostih, daje glasbi določeno jasnost, ravnotežje in prijetno hojo. Njegove dobro izčrpane klasične tehnike in informirana izpostavljenost drugim oblikam glasbe in umetnosti naredijo njegove improvizacije očarljive in prepričljive, pa naj gre za petje raga, neraval (improvizacija petja refrena iz glavne skladbe), kalpanaswaras (pri katerem se pevka ukvarja z domiselna predstavitev not raga) in najpomembneje, Raga Tanam Pallavi (RTP), ki meri tehnično in ustvarjalno vsestranskost pevca Carnatic.

Sandeep je prejemnik številnih regionalnih in državnih odlikovanj. Bil je najboljši koncertni izvajalec na Glasbeni akademiji in prejemnik številnih naslovov, kot je bila lani Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar iz Akademije Sangeet Natak.

ameriški redbud v primerjavi z vzhodnim redbudom

Nekoliko edinstven je tudi dejstvo, da ni konzervativni pevec Carnatic po starem slogu. Verjetno mu lahko rečete sodobni konservativec, kar pomeni, da verjame v sodobne vrednote, čeprav izvaja to, kar velja za konzervativno umetnost. Glasbeniki, kot je on, dokazujejo, da je lahko celo starostna umetnost, kot je karnatska glasba, precej sodobna in usmerjena v prihodnost.

Vas zanima, kdo je bil zvezdniški glasbenik, ki ga je izučil in oblikoval njegove poglede na umetnost in življenje? Preberite ta zanimiv pogovor.

Sandeep Narayan je leta 2019 prejel SNA Yuvo Puraskar od guvernerke Manipurja Najme Heptullah.

Naj začnem od začetka. Bili ste začetnik kot prvi indijsko-ameriški otrok, ki se je kot kariera v Indiji odločil za karnatsko glasbo. Kako se je to zgodilo in kaj občutite, ko pogledate nazaj? Ste morali veliko prilagoditi življenjski slog?

Takrat verjetno nisem vedel, kaj naj naredim, in to je bil nekakšen poskus, ki je sčasoma uspel. Zagotovo sem vedel, da želim biti v karnatski glasbi in to je mogoče storiti le v Chennaiju. Kar zadeva prilagajanje življenjskega sloga, nisem imel težav, ker je bila glasba pomembnejša od vsega drugega: učiti se glasbe, hoditi na koncerte in na koncu nastopati. To so bili cilji. Pravzaprav se ne strinjam z ljudmi, ko pravijo, da je življenjski standard tukaj manjši, ker je odvisno od tega, kaj iščete in kakšne so vaše vrednote. Lahko trdim, da je življenjski standard tukaj dejansko boljši. Tu dobite veliko stvari, ki vam olajšajo življenje. Na primer, če hočem popiti skodelico čaja, mi ni treba voziti do Starbucksa, lahko hodim nekaj metrov do katerega koli čaja kadai (trgovina)! Tu imam tudi čudovite prijatelje. Iskreno povedano, zelo sem vesel.

Ali se je bilo z indijskim gurujem enostavno prilagoditi v glasbenem sistemu, ki se zdi še danes precej konzervativen?

Moj prvi guru v Chennaiju, KSK Mama (KS Krishnamurti), ni bil prav ortodoksen in zelo dobro sva se razumela. Smešno je bilo, da je bil tam 11-letni otrok z zelo močnim ameriškim naglasom, ki se je hotel učiti glasbe od starejšega vidvana. Bil je nekoliko skeptičen, a potem, ko me je slišal peti, je bil vesel. Po prvem pouku mi je rekel, da me bo začel učiti na višji stopnji, ker se mu je zdelo, da sem sposobnejši od otrok mojih let. Med nama je zagotovo nekaj kliknilo.

V Indijo ste prihajali od leta 1996, da bi se učili pod Kalkuto Krišnamurti, in ob njegovi smrti ste se preusmerili k drugemu guruju in se dolgo učili pri njem, dokler niste postali precej samostojni. Ali lahko opišete svoj razvoj kot glasbenika v Chennaiju?

KSK Mama me je že zgodaj spodbudila k raziskovanju manodharme. Do takrat sem delal zelo malo improvizacijske glasbe, kot so alapana, neraval, swaras itd. Naučil me je tudi številnih novih rag in dal drugačno smer in globino mojemu glasbenemu iskanju.

Leta 1999, ko je umrl, sem se moral učiti od nekoga drugega in edina oseba, ki sem jo imel v mislih, je bila Sanjay Subrahmanyan. Poznala sem ga, še preden sem šla v KSK Mama, ker ga je naša družina spoznala med njegovo koncertno turnejo po ZDA leta 1995. Že kot otrok sem bil njegov velik oboževalec in sem ga versko spremljal od leta 1996 do 97. Kadar koli sem bil v Chennaiju, sem hodil na njegove koncerte in sedel v prvi vrsti. Učil se je tudi od KSK Mama skupaj z drugimi znanimi umetniki, kot sta Sudha Raghunathan in P Unnikrishnan. Bil sem res navdušen in tudi mislil sem, da je super, da se učim od istega guruja, od katerega se je učila tudi Sanjay Subrahmanyan.

Preberite | Občinstvo prihaja uživati ​​v glasbo, ne pa videti vaše matematične čarovnije: Neyveli Venkatesh

Ko mojega guruja ni bilo več, sem vprašal Sanjaya, če me lahko nauči. Popolnoma sem bil prepričan v svojo izbiro, vendar je bil nekoliko obotavljan, ker je po tem, ko se je učil od KSK Mame, ki je bila zelo starejša in veliko starejša, pomislil, da bi moral nadaljevati z nekom iz te generacije. Ampak zame se je Sanjay popolnoma prilegal. Z njim sem se tako dobro razumel in to je bilo všeč tudi mojim staršem.

Z mano in Sanjayjem je šlo brez težav. Govorili smo o športu, filmih, drugih glasbenih stilih itd.

Se še vedno učite od njega?

Redno sem se učil od njega do približno 2014-15. Postopki so postajali vse manj pogosti zaradi mojih vse več potovanj in že tako zasedenega urnika potovanja. Želel je tudi, da bi se sam učil in širil. Zdaj sem pri učenju bolj samostojen, vendar se občasno posvetujem z njim glede glasbenih vprašanj. Na primer, dve leti nazaj sem mu poslal sporočilo, če bi se lahko naučil nekaj pesmi, in se mi je takoj pridružil. Tudi danes, če moram kaj pojasniti v glasbi, grem k njemu.

Kot veste, ljudje najdejo velik vpliv Sanjaya v vaši glasbi, vključno z nekaterimi kretnjami, zvočnimi manirami, sangathis itd.

Ja, vem (smeh). Toda tisti, ki sledijo Sanjayjevi in ​​moji glasbi, so opazili tudi, kako in kdaj sem se oddaljil od sloga Sanjay Sir. Tisti, ki mimogrede poslušajo in vedo, da sem njegov učenec, se bodo seveda povezali in komentirali vse podobnosti, resnične ali zaznane.

Drugi vpliv je tudi njegov pristop k samemu koncertu. Ima določeno stopnjo profesionalnosti, ki se je razbila tudi name, za kar sem mu zelo hvaležen. Spoštuje druge umetnike, organizacije in občinstvo. Rekel mi je: Nikoli ne mislite, da je občinstvo neumno. Nikoli jih ne jemljite kot samoumevne. To je ena stvar, ki se je vedno spomnim in se je skušam držati na svojih koncertih. Njegova stopnja osredotočenosti in resnosti je navdušujoča: on je lastnik te dvorane, celotnega prostora, ko je na koncertu.

Bolje je, da vokalista Sandeepa Narayana imenujemo sodobni konservativec, kar pomeni, da verjame v sodobne vrednote, čeprav izvaja to, kar velja za konzervativno umetnost. (Hitra fotografija: Rajappane Raju)

Sanjayev slog veliko pomeni inovativnost. Kako inovativni ste na odru?

Morda grem na koncert in mislim, da bom tisti dan še kaj zapel, vendar ne gre vedno tako. Namesto tega se lahko zgodi kaj drugega. Vidite, v vaši glavi je veliko glasbe, ko sedite na tistem koncertnem odru zaradi nenehnega poslušanja in učenja - od priljubljenega do klasičnega - in nenadoma se vam v glavi pojavi nekaj. Ko se zgodijo take stvari, to rad raziskujem. To je zagotovo ena stvar, ki sem jo dobil od svojih gurujev in drugih umetnikov. Če ti kaj pride v glavo, razišči to. Ne reci ne. Oglejte si, kaj lahko z njo naredite v okviru naše strukture, da ne postane nekaj drugega. Carnatic koncert ni koncert glasbene glasbe, niti fuzijski koncert, vendar v njegovem okviru še vedno obstaja možnost za ustvarjalnost. Tako rad pristopim.

Znano je bilo, da ste v prvih letih neusmiljeno vadili skupaj. Kako se zdaj spopadate s koncerti in turnejami?

Med mojo nedavno turnejo po ZDA me je veliko otrok vprašalo, koliko je treba vaditi, da bi dosegli določeno raven. Moj odgovor na to je bil, da ni formule. Zame nikoli ni bilo formule. In vsekakor gre za kakovost nad količino. Morate samo trdo delati in zaupati vase, da se bodo stvari nekega dne kliknile. Ko sem živel v ZDA, je bilo s šolo, fakulteto itd. Veliko težje vaditi. Na fakulteti je bil problem najti celo lokacijo, ker sem stanovanje delil s tremi drugimi. Toda v tistih časih sem poslušal veliko glasbe, da sem to nadomestil, in ko sem vsak mesec odhajal domov, sem vsak dan vadil 2-3 ure. Ko sem se preselil v Chennai, ni bilo toliko težav in sem lahko redno treniral vsaj 2-3 ure zjutraj in še 2-3 ure popoldne ali zvečer. Tudi na koncerte sem hodil skoraj vsak dan, ne glede na to, kdo je umetnik. Z drugimi besedami, takrat sem ves čas polnil glasbo. Veliko je bilo ponavljanja.

Znanost deluje s ponavljanjem. Ponavljate, popolni ste, kajne?

Da, današnji študentje bi morali imeti v mislih, da se ne bi smeli naučiti samo pesmi in nato preiti na naslednjo. Ena stvar, ki mi je zgodaj vdrla v glavo, je ta, da moraš pesem peti stokrat. To so vedeli in počeli najboljši umetniki, zlasti v preteklosti. Nekje na sredini je bilo pozabljeno pri številnih nadobudnih glasbenikih. In priznam, da sem včasih tudi jaz žrtev tega odnosa: mislim, da sem se naučil pesem, nekajkrat sem jo zapel in zdaj jo želim čim prej zapeti na koncertu. Morda bo ta dan deloval in morda bom na varnem, toda ko pojem isto pesem po enem mesecu, dveh mesecih ali šestih mesecih, bi bila različica tega dne in prva različica milj narazen. Ko prvič zapojete pesem, jo ​​le recitirate, ko pa jo v določenem obdobju tolikokrat vadite, lahko postane vaša pesem. Ne recitirate več zapomnjenega, to je del vas. To vidim tudi danes. Ponavljanje je ena stvar, ki sem jo skozi leta spoznal kot tako pomembno. Vedno znova pojem varname. Različne hitrosti, z različnimi raziskavami gamakam, različne stvari.

Zdaj s koncerti in urniki potovanj nisem mogel toliko vaditi, vendar poskušam vzeti vsaj eno ali dve uri na dan. V dneh potovanja bo vadba kot povzetek koncerta: kaj naj pojem in čemu se izognem, ker ne bi želel ponoviti pesmi in rag, ki bi jih prej zapel na istem prizorišču. Na primer, tokrat, ko sem šel na festival Chembai v Guruvayoor, sem nenadoma spoznal, da že dolgo nisem pel Rasavilasa (Swathi Thirunal pesem v ragi Kamboji). Tako sem med vožnjo z avtomobilom od letališča Coimbatore do Guruvayoorja poslušal njegov posnetek in si poskušal osvežiti spomin. Na koncu je nisem zapel, ker je bila zahteva po drugačni pesmi, vendar sem vesel, da mi je spet v spominu in jo nameravam kmalu spet zapeti.

Znano je, da karnatični glasbeniki uporabljajo različne glasovne tehnike za izpopolnjevanje svojega petja, včasih celo s pomočjo specialistov za glas. Ali imaš kaj?

Spoznal sem, da ima naša glasba toliko vgrajenih vaj. Tudi osnovne stvari, kot sta sarali-varisai in janta-varisai, so vaje same po sebi. Na žalost so bili označeni kot začetni korak za učenje varnama in ko končate s tem, se premaknete na swara jathis in geetham in se ne ozirate nazaj. Toda te stvari so brezčasne. To so tako dobre vaje, ki so nam bile zastavljene. To je v vaših prvih geethamskih knjigah. Včasih jih pojem v različnih ragah in pri različnih hitrostih, pri tem pa ohranjam jasnost. Že sama po sebi je tako neverjetna glasovna vaja. Zame je to postal zabaven izziv.

Sandeep Narayan leta 2019 nastopa na koncertu v templju Kapali v Chennaiju.

Tudi Varnami so tako dobre vaje. Hitrost se počasi povečuje, melodija se pogosto giblje od zelo nizke do zelo visoke, pri tem pa delamo swaram, sahithyam itd. Torej, glasovne vaje dejansko prihajajo z našo glasbo. Le raziskati jih moramo in jih pravilno uporabiti.

Toda z usposobljenimi strokovnjaki sem se pogovarjal tudi o vrstah vaj za ogrevanje in hlajenje, ki lahko pomagajo ohraniti vaš glas. Običajno se nam ne zdi, da se ohladimo, vendar je tako kot katera koli druga mišica in katera koli druga vadba v telovadnici, podobno pa sta pri obeh potrebna disciplina in vadba.

Dandanes je veliko povpraševanja po raznolikosti, zato mora umetnik nenehno širiti svoj repertoar. Ali pritiska na vas?

Morda bi pred desetletji lahko vedno znova peli isti sklop pesmi v mestu za mestom in jih pri tem tudi polirali. Danes pa s pojavom družbenih medijev in digitalnih platform tega ne morete storiti toliko. Če zapojem pesem ali rago na enem mestu, bi to skoraj takoj spoznali vsi v drugih mestih. Če bi kmalu ponovil v drugem mestu, bi rekli, da povsod pojem iste pesmi, in komentirali, da morda ne vem nič drugega! Tako je pogostejše petje novih pesmi postalo nujno. Slaba stran je, da če nenehno pojete nove stvari, se ne morete poglobiti v pesmi, ki jih želite obvladati. Torej je vsekakor lahko velik pritisk. Kot sem že omenil, bi bilo treba v idealnem primeru večkrat zapeti pesem, preden jo javno predstavimo, kar lahko obremeni tudi glas, ko nenehno poskušamo posodobiti repertoar za vsak koncert.

Intervju Abhisheka Raghurama: 'V umetnosti ni prav in narobe. Zame gre za samoizražanje '

Moj pristop je, da poleg petja novih prinašam svežino tudi v starih pesmih. Ne gre samo za občinstvo, ampak tudi zame. Če danes pojem nekaj, kar sem pel pred 20 leti, in če še vedno zveni enako, pomeni, da kot glasbenik nisem zrasel. Čeprav bi se umetniki verjetno peli pesem pogosteje kot danes, sem opazil tudi, da največji umetniki niso našli le nekaj, kar je delovalo, in so delali isto. Namesto tega so se vsi večinoma razvijali. Tovrstne spremembe in zrelost v njihovi glasbi vidite skozi leta.

Toda pretekli mojstri niso imeli tovrstnega pritiska, da bi razširili svoj repertoar

Ne vem zagotovo, kakšne pritiske so imeli ali niso imeli pretekli mojstri. Sumim pa, da je to res in zato so lahko zapeli nekaj svojih blagovnih znamk, ki so postale njihove uspešnice, ki jih povezujemo z njimi. Ne pozabimo, da so predstavili nove pesmi in rago. Z glasbo GN Balasubramaniam sem se seznanil z nekaterimi hindustanskimi ragami, kot sta Durga in Gavathi. Včasih so rago razglasili, včasih pa raga. Toda tudi v tem pristopu je bila dinamika. Pesem je morda enaka, vendar so v swara petje, neraval itd. Prinesle tako nove ideje. Kot veste, se ljudje na te pesmi sklicujejo celo po datumih snemanja. Umetnik X je v letu Z zapel nepozabno pesem Y. Zakaj ljudje to počnejo? Ker tudi če sta pesem ali raga enaki, izvedba ni. Če menite, da umetnik po štirih koncertih zveni enako, ga morda ne boste več poslušali. Uspešni umetniki nekoč in danes so se vedno izogibali padcu v to past. Z vsakim nastopom prinesejo nekaj drugačnega.

Sandeep Narayan je leta 2013 nastopil na koncertu na univerzi Carnegie Mellon v Pensilvaniji.

Številni pretekli mojstri, ki jih ljudje manijo zdaj, v svojem času niso bili deležni ustreznega priznanja. Ali spremljate njihovo delo?

Bilo je nekaj umetnikov, za katere pogosto menimo, da so bili v svojem času premalo cenjeni v primerjavi z njihovo dejansko usposobljenostjo in prispevkom. Ljudje vedno govorijo o MD Ramanathan kot primer tega. Čutim, da je bil takšen tudi Thanjavur S Kalyanaraman. In čeprav je imel Madurai Somasundaram v svojem času kar nekaj uspeha, se zdi, da se iz zgodovinskih knjig zaradi kakršnega koli razloga še vedno ne ujema z nekaterimi njegovimi vrstniki. Leta 2019 smo marsikje praznovali njegovo rojstno stoletnico, Somu 100, vendar pred tem komaj slišali, da bi ljudje v zadnjih letih razpravljali o njegovem imenu in njegovi glasbi. To se mi zdi precej čudno.

Ali ni čudno, da ljudje zdaj bolj govorijo o Kalyanaramanu?

Danes je kultni junak. Mislim, da je bil v bistvu pred svojim časom. Pravzaprav slišim veliko zanimivih anekdot o SKR od njegovih učencev, družinskih članov in prijateljev, ki so ga osebno poznali. Eden od njih je, kako je veliko raziskal glasovne tehnike, da bi izboljšal svoje sposobnosti. Zaradi teh tehnik je lahko ohranil natančnost v sruthiju in laji. Pravzaprav so mi povedali, da je ponoči sedel sam, ko je bilo vse tiho, in opravljal glasovne vaje. Raziskal je tudi dwi-madhyama panchama varjya ragas, nekaj, kar je bil koncept, ki ga nihče v resnici ni veliko raziskoval, in je bil strokovnjak za vivadhi ragas. Ljudje danes na njegovo delo gledajo z velikim strahom. Ali vsaj zagotovo.

Kadar koli me vprašajo, kdo je tista oseba, s katero bi si želel, da bi jo spoznal in preživel nekaj časa, mi vedno pride na misel.

Ker prihajate iz drugega družbeno-kulturnega okolja in ste izpostavljeni drugim oblikam umetnosti in glasbe na svetu, ali to vpliva na vašo glasbo?

Vedno sem poslušal veliko zahodnega popa, rocka, R&B, hip hopa itd. Tudi danes to počnem. Moji seznami predvajanja Spotify so mešanica ameriških in britanskih umetnikov ter indijskih. Poslušanje nekarnatskih stilov glasbe je zame pogosto sprostitev ali olajšanje. Karnatična glasba me vedno osredotoči in ima stalno možgane. Edini način, da ga izklopim ali se odmaknem od tega, je poslušanje drugih stilov. Ne vem pa, koliko je to vplivalo na mojo karnatsko glasbo. Mislim, da rapa ali hip hopa ne morem vnesti v karnatik (smeh)!

Lahko pa obstajajo elementi v popularni glasbi ali drugih oblikah, ki bi lahko obogatili ali dodali barvo vaši klasični glasbi

Rekel bi, da se verjetno stare filmske pesmi lažje podajo karnatski glasbi, še posebej, če temeljijo na ragi. Ali drugačni ritmični vzorci od drugih stilov. Morda niso tradicionalne, vendar jih lahko v našo glasbo vnesemo veliko lažje. Običajno malo iz jazza, ker je veliko vzporednic. Mislim, da rock glasba ni preveč podrejena Carnaticu, ne da bi vstopila v žanr fuzije.

Meni se zdi, da je Jazz zahodni ali bolje rečeno ameriški ekvivalent karnatske glasbe. Oba sta podobna improvizacijski glasbi. Pogosto se sprašujem, zakaj ljudje ne preizkušajo jazzovskih tehnik v karnatski glasbi, ker bi tako naredili koncerte bolj pisane, ne da bi pri tem izgubili klasicizem ali resnost

Ja, imaš prav, Jazz je najbližje Carnaticu. Zaradi skupnega izraza klasika vsi privzeto primerjajo klasično glasbo južne Indije ali severne Indije z zahodno klasiko. Če pa pogledate tehnične značilnosti in koncertno predstavitev, je Jazz bolj podoben karnatski glasbi. Na primer, medtem ko imajo refren, imamo vrstico iz pesmi ali pallavija v raga-tanam-pallavi. Pallavi je isto, kot da bi se refren, kot v jazzu, vedno znova improviziral. Tanam je medtem podoben razpršitvi. Vzamemo samo nekaj zlogov, ki nimajo nobenega lirskega pomena in mešajo melodijo in ritem skupaj.

Druga vzporednica je raven spretnosti, ki jih potrebujete

Tudi v smislu usposabljanja je zelo podoben karnatski glasbi. Njihovo znanje ali usposabljanje je lahko, kako peti, igrati klavir, saksofon ali bobne. Gre za tehnično usposabljanje. In veliko poslušajo. Jazz umetniki nenehno igrajo ali poslušajo nekaj. Ko obvladajo tehnične sposobnosti, po določenem času pride njihova ustvarjalnost, ker tudi veliko poslušajo. Imajo tehnično znanje, da naredijo vse, kar je v njihovi glavi. Za to sporočilo iz možganov v vaš glas ali prste je poskrbljeno zaradi vaših tehničnih sposobnosti. Enako je tudi v Carnaticu.

Fotografija iz posnetka glasbenega videa Gopala Gokula glasbe MadRasana.

Čudno pa je, da jazzovski glasbeniki prihajajo iz revnih okolij, medtem ko ima Carnatic drugačen družbeno-kulturni profil, ki mu včasih očitajo celo izključnost

Verjetno je to povezano s tem, kako se je kultura razvijala v skupnosti. Da, demografija je zelo kontrastna, medtem ko so usposabljanje, slog in način, kako prihajamo do idej, zelo podobni. Kot vzporedna struktura. Skoraj od začetka.

Toda v Carnaticu ni kakšne oblike regimentiranja niti v improvizaciji, ker jo nadzoruje stari konzervativni sistem?

No, rekel bi, da tudi v jazzu še vedno obstajajo neka pravila: dogaja se ritmični cikel in čeprav ne sledijo ragi kot mi, imajo način ali lestvico. V tem načinu prihajajo določene note, vrstni red zapiskov morda ni zelo strog in včasih bodo vnesli tujo noto samo za kontrast, vendar se vrnejo nazaj. Večinoma sledijo svojim lestvicam, kar je podobno kot mi. Ja, imaš pa prav. V karnatski glasbi se mi zdi nekaj ljudi, ki poskušajo vsiliti veliko pravil.

Včasih se celo malo nepopolnosti sliši dobro, kajne?

Ne verjamem v pravi in ​​napačen pristop. Je bolj kot dobro in slabo. To je mogoče oceniti na podlagi umetnikove izkušnje in zrelosti. Na primer, obstaja identiteta za rago. Ni vam treba slišati vseh zapiskov lestvice, da bi vedeli, da je to Todi ali Sankarabharanam. Iz enega stavka lahko veste, kaj je raga. Kako prepoznate rago, tudi če nisem zapel vseh not? In od kod prihaja to prav in narobe? Glasbena predstavitev bi morala govoriti o estetiki in povezavi, ki jo ustvarja. Osebno mi ni všeč uvedba takšnih pravil za vsako malenkost.

Pretekli pevci, kot je Madurai Somu, in sodobni glasbeniki, kot je Sanjay Subrahmanyan, imajo v svoji glasbi veliko nekonvencionalnih elementov, zaradi katerih so sami po sebi žanr. Ali niste navdihnjeni, da bi naredili kaj podobnega?

Oba sta zame zagotovo zelo navdihujoča umetnika. Ne želim pa zavestno narediti nekaj nekonvencionalnega samo zaradi lastnega žanra. Morda se bom nekega dne ozrl nazaj in videl, da sem naredil nekonvencionalne stvari, vendar bi rad, da je vse to naravno in da pride sam ob pravem času. Mogoče bo to povzročilo drugačen žanr, kot pravite. Velikokrat samo rad nekaj poslušam in cenim njegovo lepoto, namesto da bi to seciral in se odločil, ali je to konvencionalno ali je vstopilo v nov prostor. Novi prostori se bodo organsko oblikovali, ko bom rasla in ko bo moja glasba še bolj dozorevala.

Kako pomembna je vaša povezava z občinstvom?

Zame je izredno pomembno. Če pojem v temni dvorani, bom organizatorje prosil, naj prižgejo luči, ker ne želim peti ob črni steni. Želim videti ljudi, njihove oči, njihove reakcije, vse. Zame se tako zelo prehranim. Če ne čutim, da so z mano ali se ne odzivajo pozitivno, na mestu spremenim smer. To je pogovor. Občinstvo se na svoj način odziva in mi komunicira. Za koga pojemo brez občinstva? So sestavni del koncertnega doživetja. Ko imam zelo dovzetno občinstvo, čutim, da lahko pojem karkoli. Te dni se počutim kot superman. Če ne dobim odgovora, bom morda celo začel dvomiti vase.

Uporabljate povezavo z občinstvom kot tehniko za pridobivanje povratnih informacij?

Mislim, da v prvih nekaj pesmih sami poiščete žepe v občinstvu, ki se resnično odzivajo na to, kar počnete. Moje oči in moj fokus se bodo ponavadi vrnili k njim. Tega ne počnem zavestno, ampak se zgodi nagonsko. Včasih jih nagonsko pogledate za dodatno sekundo, da potrdijo, kaj pojete, ker so mi do takrat tiho dajali te povratne informacije.

Ali se občinstvo v Chennaiju odziva?

O ja, absolutno. Ne pozabite, da je v Chennaiju občinstvo izpostavljeno toliko glasbi, zato je povprečna rasika v Chennaiju precej izobražena v karnatski glasbi. Obstaja razlog, zakaj vsi prihajajo sem z vsega sveta. Zakaj sem se preselil iz LA v Chennai? Ustvariti ime tukaj je res izziv. Občinstvo je tukaj zelo preudarno, vendar vam bo dalo iskrene povratne informacije.

Sandeep Narayan pravi, da se je nekaterim lahko izogniti z nekaterimi stvarmi, kot so mejni triki, v Chennaiju pa moraš biti previden, saj so občinstvo vse videle. (Hitra fotografija: Rajappane Raju)

Kako velikodušni so pri dajanju povratnih informacij?

Ponekod se lahko izognete nekaterim stvarem, kot so mejni triki, toda v Chennaiju morate biti previdni, saj so občinstvo vse videle. Lahko rečem, da sem obiskal svet in pel za vse občinstvo, toda Chennai se bo odzval, ne zanima me, kam ste šli, zdaj morate peti zame. (smeh)

To je ponižujoče na več načinov. Pozitiven odziv občinstva iz Čenaja pomeni veliko. In se odzovejo, dajo, kjer je treba. Če poskusite nekaj narediti, da bi dobili njihovo spoštovanje, bodo to videli. Če pa ste vi in ​​vaša glasba pristni, se bosta odzvali. Morda boste presenečeni, ko nekaj cenijo, ko tega niste pričakovali. Lahko je preverjanje resničnosti.

To je lepota čenajskega ekosistema, ker to ohranja to karnatsko tradicijo. Kajne?

Da. V ekosistemu ne gre le za umetnike, ampak tudi za občinstvo. Brez njih naše glasbe morda ne bomo tako močno dvignili na višje ravni. Učencem in umetnikom, ki živijo zunaj Čenaja, vedno rečem, naj pridejo sem in si ogledajo, kaj ljudje njihove starostne skupine ali vrstniki glasbeno počnejo.

Good fit je uspeh v Chennaiju in drugod, kajne?

To je idealno ravnovesje. Tukaj resnično izpopolnite svoje sposobnosti. Medtem pa vas bo nastop na drugih mestih naučil, kako različno občinstvo predstaviti drugače. Oboje je potrebno za uspešen izvajalec.

Ali vas izziv improvizacije naredi ranljivega na odru?

Čutim, da bi morali biti na odru malce ranljivi. Žalosten sem, če umetnik meni, da mora biti to, kar bo predstavil na odru, popolno. V trenutku, ko to počnete, svoje glasbene ustvarjalnosti ne raziskujete in širite toliko, kot ste sposobni. Zdaj vas bolj skrbi komercialni paket. Poskušate ohraniti blagovno znamko ali ime, ki ste ga ustanovili. Med standardom, ki ste ga vzpostavili med raziskovanjem ustvarjalnosti, mora obstajati ravnovesje. To pomeni, da morate biti do neke mere ranljivi pred občinstvom.

Ko stopim na oder, je del mene samozavesten in pravi: V redu, to je moje območje udobja. Če pa bom delal le tisto, kar vem, da je varno in že preizkušeno, kako bom potem kot umetnik prešel na naslednjo stopnjo? Ranljivost, na katero govorim, je, da se odprete občinstvu in rečete: hej, nekaj poskušam in poglejmo skupaj, kako bo. To je tudi del pogovora, o katerem sem govoril prej.

Sandeep Narayan je leta 2015 nastopil na koncertu v Kuthiramaligaiju v Thiruvananthapuramu.

Na enem od naših ameriških turnejskih koncertov sem poskušal zapleten korvai, ki sem ga dovolj vadil, vendar med delom na odru ni šlo samo za delo. Enkrat, dvakrat ni uspelo in tretjič sem mislil, da se bo v redu zgodilo, a ni. V tistem trenutku se mi je nekaj v možganih ugasnilo. Če bi dobil minuto molka, da bi razmislil in se tega lotil, bi to zmogel; toda talam se je dogajal, občinstvo je gledalo in ni bilo časa za razmišljanje. Končno sem končal z drugačnim korvajem. Ko pa je umetnik mridangama začel igrati solo, je pravilno odigral korvai. Takoj sem se mu pridružil in ga zapel z njim. Nato sem občinstvu naznanil, da je to tisto, kar poskušam zapeti. Rekel sem tudi, da če tega ne bi dobil, tisto noč ne bi mogel spati! (smeh)

Zaradi teh pomanjkljivosti so koncerti nepozabni, kajne?

Mislim, da je tako, vendar nočem, da se takšne stvari pogosto dogajajo. Če se nekaj naravno in organsko zgodi, je v redu. Zgodilo se je nekaj nenačrtovanega in bil sem pregleden. Mislim, da je to ranljivost, o kateri smo govorili. Želim si, da bi bil moj koncert čim bolj pristen.

Kako načrtujete koncert?

Trudim se, da ne ponavljam rag in skladb, ki sem jih na tem mestu pel v nedavni preteklosti, vendar se včasih ne morete izogniti ponavljanju, če želite vključiti gansko rago, saj jih je le omejeno. In običajno, če se jim izognem na koncertu, se bodo ljudje seveda vprašali, zakaj ni bilo Bhairavija, Thodija ali Kambojija itd. In tudi oni imajo prav. Verjetno bom v izogib ponavljanju zapel drugo skladbo ali pa nekega dne uporabil ghana raga v Pallaviju, drugi dan pa bo glavni itd.

Druga stvar je pridobiti različne skladatelje in talame. In tudi različne rage v smislu kontrasta. Poslušalca morate na to pot popeljati s seboj in s tem dati nekaj pestrosti.

Odvisno je tudi, kje pojem. V Tamil Nadu pojem eno ali dve tamilski pesmi, v Karnataki eno ali dve pesmi iz kanade in v Kerali eno ali dve pesmi Swathi Thirunal. Zmešajte znane pesmi in dodajte eno ali dve redki pesmi. Nenehno moramo uravnotežiti. Tako pristopim k koncertu. Ali lahko spremenim seznam, ko stopim na oder? Ja, ves čas. Ko sem prišel na prizorišče in videl občinstvo, včasih pomislim, da moj načrt ne bo deloval, zato spreminjam čas igre!

Ko ljudje pridejo k vam z zahtevami med koncertom, ali motijo ​​vašo shemo stvari?

Če že prej dobim prošnjo, jo bom lažje vključil v svoj koncertni načrt. Včasih so te zahteve tudi v skladu z vašim razmišljanjem. Včasih ne, ampak mene ne moti. Vsekakor se po svojih najboljših močeh trudim izpolniti večino zahtev, ki jih prejmem med koncerti. Navsezadnje je naša naloga, da pojemo, kar občinstvo želi.

Nekateri pevci dodajajo nove skladbe v svoj repertoar, da bi omislili svoj koncert? Recimo, za primer dodajanja sodobne poezije kot skladbe ali palavija.

Verjetno tega ne počnem aktivno, ker je toliko že zunaj. Mogoče bi to naredil bolj zavestno, ko čutim, da je pravi čas.

Kakšen je vaš pristop k raziskovanju rag?

Običajno obstaja okostje za pogosto slišane rage in naša naloga je, da ga ustvarjalno zapolnimo. Ganske rage na tem področju ponujajo veliko prostora. In v večini rag je vedno uveljavljenih sangathis, na katere se lahko naslonite, če nova pot, ki jo uberete, ne deluje. Ko pojem te rage, se počutim samozavestno, da bom več raziskal in eksperimentiral, hkrati pa se vrnil k časovno preizkušenim vzorcem in prehodom.

Potem so tu še rage brez okvirja in predloge, ker jih skoraj nikoli ne pojemo. To je druga skrajnost. Tu vaša svoboda izhaja iz dejstva, da je predhodnega raziskovanja malo. Ko pojem takšne rage, bom morda poskušal narediti veliko novih stvari, kajti kdo bo prišel in mi povedal, da tega nisem pravilno zapel? V tem primeru ni pojma, kaj je primerno in sprejeto.

Sandeep Narayan prejme nagrado na glasbeni akademiji.

Kako ravnate z redko prepevanimi ragami? Kako jih razvijate z omejenimi kompozicijami in referencami?

Predvidevam, da se z naraščanjem glasbene zrelosti v moji glavi pojavljajo različne stvari. Na primer, v redko slišani ragi, kot je Deepali, razen nekaj sangathis in lestvice, ni bilo ugotovljeno veliko. V takih primerih lahko vzamem opombo in se odločim, da je to moje pristajalno mesto. Običajno nihče ne bo rekel, da je narobe. Toda vzamete starejšega in dobro znanega ravama podobnega Devamanoharija-in spremenite pristajalno noto, slišalo se bo nerodno, ker je to že v mislih poslušalcev določeno. V takih primerih se identiteta raga začne spreminjati v nekaj drugega.

pajek z velikim okroglim telesom

Toda nekateri od teh redkih rag so hindustani. Ali ne morete uporabljati hindustanskih referenc?

Lahko, toda njihov gamake so različni. Raga pristop je drugačen. Hindustani lahko do neke mere posnemate- recimo, da lahko Pantuvarali zveni kot Basant ali Puriya Dhanashree. Iste note, če jih pojemo v hindustanskem slogu, bodo zvenele drugače.

Ali to včasih počnete?

Ja. Všeč mi je (smeh). To je osebna preferenca.

To me spominja na posnetek Pallavija TN Seshagopalana, v katerem poje vzporedne fraze med Carnatic Bhairavi in ​​Sindhu Bhairavi (ki je podoben hindustani Bhairavi). Te stvari so zame res kul, vendar moraš biti previden, da ne zaideš v zapiske, ki so običajni pri drugih ragah. To ni lahka stvar.

Ste zelo izrazita pevka. Kako čutite? Ali morate na primer osebno čutiti predanost, da bo pesem z vdanostjo delovala?

Ne pri vseh, pri nekaterih pa. Velikokrat vam bo pomen pesmi pomagal razkriti čustva. Včasih so čustva v sami ragi. Včasih je to lahko povezava s pesmijo ali povezava s skladateljem. Na primer, poznamo pomen pesmi varugalaamo v Manji avtorja Gopalakrishna Bharathi. Te pesmi ne pojem, ko razmišljam o sebi kot o tistem, ki hrepeni po božanstvu, ampak čustveno pomislim na skladatelja, ki je tako lepo napisal in opisal takšno situacijo.

Imate kakšno rago, s katero se v zadnjem času počutite čustveno povezane?

V zadnjem času imam nekaj povezave s Thodijem. Narava moje povezave z ragami je za vsakega drugačna in se nenehno spreminja. Morda se sliši klišejsko, vendar sem izvedel, da obstaja razlog, zakaj se toliko umetnikov vrača k tej ragi in zakaj ima ta sloves. To je le sedem not, vendar obstaja nekaj tako obsežnega. Počutim se, kot da grem po Thodijevem predoru in se vse več učim o ragi, ko jo pojem, in ko pomislim, da sem morda iz tunela, se zavem, da je s to čudovito rago še več opraviti in se poglobim še globlje.